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La créativité constitue le principal point commun entre l'art et la publicité. Ces deux concepts ont aussi comme finalité commune de véhiculer un message. Sur ce point, les publicitaires continuent de surfer sur les vagues de l'art pour parvenir à leurs fins. Une liaison qui remonte au 19e siècle L'émergence de l'affichomanie date du 19e siècle. Ce concept désigne l'art de concocter une affiche publicitaire. À l'époque, des artistes comme Eugène Grasset et Choubrac ont dû leur réputation à cette mixture d'art et de publicité. Plus tard, une version optimisée a vu le jour: les affiches de Rockwell. Celles-ci se caractérisent surtout par une grande précision qui les rapproche de la photo. D'ailleurs, elles sont actuellement considérées comme de réelles « œuvres d'art ». Une seule différence: la raison de la création La raison de la création constitue l'un des points de divergence entre l'art et la publicité. D'un côté, l'artiste crée en effet au profit de l'art. De l'autre côté, le publicitaire conçoit dans l'unique but de promouvoir un produit.

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Résumé du document Il existe deux grands types de publicité: celle faite par des spécialistes de la communication et celle faite par des artistes. Dans ces dernières, l'Art est évidemment omniprésent. L'intervention de l'artiste réduit l'écart entre Beaux-arts, Arts appliqués et Arts décoratifs. La publicité est le reflet de la culture d'une époque, elle cherche à créer des attaches rapides avec un public qui ne connaît pas forcément les musées. Quand c'est la main de l'artiste et non celui d'un publicitaire qui intervient, la publicité a un tout autre pouvoir de suggestion. Selon Jean-Louis Prat, ancien directeur de la Fondation Maeght: « elles nous renseignent sur la sensibilité d'une création qui veut vivre avec son temps. Différentes et moins racoleuses, elles demeurent le signe distinctif d'une pensée qui suggère et ne veut rien imposer. ». En d'autres termes, une publicité faite pas un artiste (notamment une affiche) n'impose pas le produit au consommateur mais intervient sur sa sensibilité et ses émotions plus profondes.

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Étroitement liés depuis plus de deux siècles, l'Art et la publicité se sont nourris mutuellement, réunis sous le sceau de l'inventivité. "LA PUBLICITÉ, C'EST LA PLUS GRANDE FORME D'ART DU XXÈME SIÈCLE" Des estampes japonaises du XVème siècle aux affiches du XIVème, les liens entre la publicité et l'Art sont aussi variés que nombreux. Henri de Toulouse-Lautrec, Alfred Choubrac, Eugène Grasset ou Norman Rockwell sont les pinceaux principaux du mouvement dit de "l'affichomanie". Ces artistes mettent alors leur talent au service de la publicité et, au-delà de leur fonction primaire, ces supports deviennent ensuite de véritables œuvres d'art. Si la publicité n'a pas hésité à faire appel aux artistes, ces derniers ont su rendre la pareille. Impossible de ne pas penser aux papes du Pop Art, Warhol en tête, qui s'inspirèrent de la publicité (soupes Campbell, Coca-Cola etc. ) pour faire leur Art. Au cours des années 1980, une nouvelle approche a vu le jour, l'ère du marketing moderne ayant fait évoluer la problématique des publicitaires.

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La plus part était également illustrateurs, peintres ou typographes, bref, de grands artistes. (... ) Sommaire Introduction I) L'art est présent dans la publicité sous différentes formes A. La publicité détourne l'art B. La publicité faite par des artistes II) L'évolution et les moments forts de l'art dans la publicité A. L'affiche B. Prendre en compte l'histoire III) L'art dans la publicité aujourd'hui A. Une présence de plus en plus rare B. L'art joue toujours un rôle dans la publicité Conclusion et bibliographie Extraits [... ] L'artiste est libre car il ne subit par directement la pression du client. Puis le métier de publicitaire va fortement se développer, laissant moins de place à l'artiste. L'essor de la société et du commerce va s'accélérer après la première guerre mondiale, favorisant la concentration des produits de consommation courante. La publicité se développe alors fortement car il devient indispensable de créer la notoriété d'un produit nouveau. III) L'Art dans la publicité aujourd'hui Une présence de plus en plus rare Aujourd'hui, les spécialistes de la communication ont remplacé les artistes dans la création de publicité. ]

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Au début du 20e siècle se développe la lithographie sous l'influence du japonisme et de l'intérêt pour l'estampe. Les artistes vont sortir des salons et de l'art officiel pour s'engager plus profondément dans la vie et la société. Les affiches de cabaret de Toulouse-Lautrec vont refléter la vie nocturne de l'époque. Les revues vont défendre alors des conceptions artistiques semblables aux siennes. ] Dans cette annonce presse parue l'année dernière en France, Srilankan Airlines utilise le tableau le plus célèbre du Louvre et détourne son image en changeant le décor et forçant le sourire de la Joconde: cette peinture est justement celle qui a été le plus souvent utilisée dans la publicité, en raison de sa popularité. Au-delà de sa célébrité, le portrait de Mona Lisa est le symbole même de la peinture, tout comme la Tour Eiffel est le symbole de Paris. Ici, le publicitaire mise sur son sourire qui est une de ses caractéristiques les plus connues. Cette stratégie de vente est peut- être efficace, mais peu originale quand on compte le nombre de publicités utilisant la Joconde Ce type de publicité suscite parfois des réactions car elles dégradent l'image de l'œuvre. ]

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Enfin, le "Spiritello", destiné à incarner le produit sans y être étranger, est animé par un sourire effronté, réalisé dans l'intention d'inciter le spectateur à acheter du Campari. Andy Warhol, Green Coca-cola Bottles, 1962. Acrylique, sérigraphie et crayon graphite sur toile, 210. 2 × 145. 1 cm. New York, Whitney Museum of American Art. Andy Warhol: Coca Cola Alors que Leonetto Cappiello, un représentant de l'Art nouveau, a été chargé par Campari de créer des affiches publicitaires combinant de manière innovante art et consommation, les représentants du Pop Art américain des années 1950 et 1960 ont spontanément inclus les grandes marques dans leurs œuvres afin de souligner l'avènement de la société de consommation de masse. L'œuvre d'Andy Warhol Green Coca Cola Bottles, créée en 1962, en est un exemple. Elle représente 112 bouteilles de Coca Cola vides, disposées en 7 rangées de 16 chacune. Green Coca Cola Bottles a été réalisé à l'aide de la technique de la sérigraphie, que l'artiste a choisie spécifiquement pour faire allusion aux mécanismes de production de masse typiques de la société de consommation.

Néanmoins, les contours des bouteilles, probablement imprimés à la main, diffèrent les uns des autres par leurs contours, l'uniformité de la peinture et leur inclinaison, ce qui confère aux Green Coca Cola Bottles une touche de fabrication artisanale. Enfin, l'œuvre de Warhol, qui critiquait ironiquement, et en même temps glorifiait, les idoles et les valeurs superficielles de la culture américaine, a réussi à faire entrer les produits typiques des supermarchés dans les musées. En fait, l'artiste lui-même a déclaré l'égalité entre le supermarché et le musée, arguant que dans les deux endroits, les produits pouvaient être "consommés" de la même manière. Maxl, Marilyn & Mickey, llage et acrylique, 102 x 102 cm. Maxl: Coca Cola, Mickey Mouse et Marilyn Monroe Dans l'œuvre de l'artiste Artmajeur Maxl, le logo et les couleurs de Coca Cola ornent les traits d'un nouveau Mickey Mouse, qui trouve sa place aux côtés d'une Marilyn Monroe, représentée dans sa pose iconique la plus célèbre. En effet, ce collage semble réunir, de manière totalement innovante, trois thèmes chers à l'œuvre d'Andy Warhol: Coca Cola, Mickey Mouse et Marilyn Monroe.

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